7 Tips para aprovechar #Inktober al máximo

7 tips para aprovechar inktober al máximo by Veronik Ilustra

Cada octubre los ilustradores nos llenamos de tinta, bocetos y mejoramos nuestras habilidades con el reto #Inktober de Jake Parker, sin embargo, por lo general al final del mes nos quedamos con una serie de dibujos o ejercicios que en el mejor de los casos se convierten en un sketchbook digno de mostrarse en nuestras redes sociales.

Pero ¿Que tal si pudieras obtener algo más? Si pudieras sacar el mayor aprendizaje en algo que de verdad vas a necesitar mas allá de mejorar tu habilidad de entintado, ¿Qué tal si pudieras hacer que este tiempo invertido en #inktober fuera funcional no solo para ti sino para los demás? ¿Y si te generara ventas? ¿Y si pudieras hacer que funcionara para promocionarte mas allá de solo este mes mientras está activo el reto? ¿Te gustaría verdad? A mi también o_~.

Es por eso que estoy reuniendo ideas, y retomando cosas que ya he puesto en practica con buenos resultados para que estén a tu alcance y tú también puedas comenzar a hacer mas por tu ilustración con este reto. ¡Comencemos!

Consejo No. 1
– Reúne tu material con anticipación. –

En mi caso basta con una caja de bolígrafos y hojas opalina, pero si quieres experimentar con otro tipo de técnicas o pinceles puedes ir reuniendo e informándote al respecto, puedes comenzar con mi post 3 técnicas que pueden serte útiles para este #Inktober.

Si estás pensando en mejorar tu dibujo de posturas puedes generar un banco de imágenes que desees usar como referencia o en el caso de que trabajes con historias puedes comenzar a dividirlas en 30 viñetas de modo que sepas que vas a dibujar con anticipación, lo que me lleva al siguiente punto:

Consejo No. 2
– Elige un tema o historia para trabajar – 

Como ya te lo mencionaba en entradas anteriores, puede ser algo que creaste o algo que ya exista y siempre quisiste hacer como Alicia en el País de las Maravillas (en mi caso), también puede ser una colección de cosas en las que tengas poca práctica, como dibujar animales por ejemplo, si quieres saber 10 temas de todos los tiempos que pueden ayudarte ven a suscribirte y descargar la lista aquí.

Consejo No. 3
– Crea colecciones que puedas vender una vez concluido el mes –

No necesitas algo complicado pueden ser posturas de un mismo personaje que desarrolles para hacer stickers, o puedes hacer playeras que luzcan bien en una sola tinta; también puedes armar un libro para colorear o una serie de postales, todo depende del tema que elijas y la aplicación que mejor se adapte a tu estilo gráfico.

Consejo No. 4
– Ve aún más lejos –

El encanto de un reto como este es, que no necesariamente tienes que quedarte sólo con la pieza que generes diaria, aprovecha el movimiento que genera el hashtag y comparte videos breves de tu avance (si son en vivo mejor), convierte tu experiencia #Inktober en tutoriales para dibujar algo en especifico o genera recursos  como un libro de paisajes o posturas atléticas por ejemplo. La cantidad de opciones para hacer funcional tu trabajo no tienen fin.

Consejo No. 5
– Especializa tu trabajo –

¿Quieres que las personas comiencen a tomarte en serio con tu trabajo y generar ventas?

Entonces es el momento de especializarte en algo, elige el tema que mas te guste trabajar, ese por el que quieres que te conozcan y te contraten; trabaja con la técnica que mejor domines y enfocate durante todo este mes en generar contenido que funcione para tus clientes, este es el momento de dibujar armaduras y paisajes dignos de un video juego, cuentos o temas para editoriales, portadas de discos, escenas de libros o carteles, todo aquello que sepas que haces a la perfección y que puedas a la larga incluir en tu portafolio.

¡Atrévete a llevar el #Inktober al siguiente nivel!

Consejo No. 6
– Comienza un blog / galería. –

La visibilidad que un blog puede alcanzar con 30 días de posts continuos es muy buena, y lo mejor es que te permitirás a ti mismo ser “googleable” y dejar de perderte entre todos los ilustradores que participan en el reto.

Recuerda que con los algoritmos tan cambiantes de las redes sociales cada día es más difícil destacarte, pero un blog es sólo tuyo, un lugar al que podrás guiar a todos tus seguidores y en el que encontrarán únicamente tu trabajo, tus productos y a ti.

En este medio también puedes usar todos los hashtags como #inktober, #inktober2017, #inktoberlatinoamerica entre otros, pero lo mejor es que puedes incluir más etiquetas que faciliten que encuentren tu trabajo en los buscadores, como por ejemplo “ilustración con tinta” o “ilustración infantil” etc.

¡Las redes sociales pueden ser importantes, pero un blog es para siempre!

Consejo No.7
– Trabaja en compañía –

Por último, el mejor modo de mantenerte motivado e inspirado con tu trabajo es estar en contacto con otras personas que estén haciendo lo mismo que tú.

Puedes unirte a Ilustra, mi comunidad digital en facebook e ir presentando tus proyectos para este #Inktober, también puedes realizar intercambios con otros artistas a quienes aprecies y puedas ver a menudo, o por qué no, organizar mañanas de café y dibujos, pijamadas de color o bueno ya se, fiestas de pizza, cerveza y tinta si esto es más lo tuyo; el caso es no dibujar solos o_~.

Espero este post te sea de mucha ayuda y si lo pones en practica o tienes algún otro consejo no dejes de ponerlo en los comentarios. Será genial leerte n_n ❤

3 Técnicas de entintado para experimentar en este #Inktober

inktober tecnicas de entintado by Veronik Ilustra.jpg

#Inktober ha convertido a Octubre en el mes de la tinta y de la práctica, el momento perfecto para mejorar tus habilidades de entintado y experimentar con todas las técnicas disponibles para definir o re-definir tu estilo gráfico.

Una de las partes que siempre definirá tu trabajo será tu forma de entintar, en especial si eres ilustrador tradicional como yo, ya que el entintado esta unido a tu forma de escribir, y del mismo modo que la caligrafía, es particular en cada persona, la forma en que le das continuidad a tus lineas, la inclinación y la profundidad o grosor con que las traces será como una firma invisible en tu trabajo, lo que a final de cuentas marcará la diferencia entre tu estilo y el de otros sin importar cuan similar sea.

Del mismo modo el material que utilices para generar tus trazos es importante, existen muchas posibilidades y resultados según la técnica que elijas, todas estas cualidades que vayas otorgando a tu estilo gráfico por medio de la experiencia, serán lo que te ayude a facilitarte el trabajo a futuro y a definir también el uso que puedas darle a tus piezas.

A continuación te presento 3 técnicas de entintado que puedes poner en práctica este #inktober para mejorar el acabado de tus dibujos, otorgarles dimensión o detalle y por que no, de paso definir tu estilo gráfico un poco más.

– Entintado con Pincel Redondo –

Ilustracion entintado pincel redondo by Veronik Ilustra

Te has topado con esta técnica un millón de veces, prácticamente has crecido con ella y a decir verdad te encanta, el trazo limpio y bien definido que otorga el entintado con pincel redondo es definitivamente una firma clásica en los dibujos animados de Walt Disney y los grandes artistas del manga.

En el medio del cómic, la animación tradicional y la industria publicitaria, esta es una de las técnicas más utilizadas por la calidad de trazo que ofrece al momento de escanear o fotografiar las piezas, ya que si eliges bien tu material, el trazo será limpio y fluido facilitando el proceso de digitalización.

Trabajar con pincel redondo no solo te reduce el tiempo de entintado, también te ayuda a mejorar tu habilidad, otorgar nuevas dimensiones a tus dibujos por el juego de variación en el grosor de linea y a controlar tu pulso.

Si eres de los que sufren con sus lineas poco definidas o haces trazos separados dejándolas “peludas” esta técnica te ayudará a mejorar muchísimo la calidad de tu trabajo y darle ese acabado profesional que todos quieren.

– Entintado con Plumilla –

Ilustracion Gustavo Dore by Veronik Ilustra

La textura antigua que te da esta técnica puede darle a tu estilo una variación única y de alta calidad, sobre todo en el detalle.

Si bien es una técnica que se ha utilizado desde hace más de dos mil años, la plumilla se utiliza cada vez menos en el medio de la ilustración por la falta de popularidad en el material, el costo y el tiempo que lleva desarrollar cada pieza lo que la ha relegado al mundo de la caligrafía.

Sin embargo, como te comentaba, esta técnica otorga gran calidad en el detalle, si deseas un estilo similar a los grabados de Gustavo Doré este puede ser un excelente punto de partida por el dominio y delicadeza que te dará en las texturas que integres a tus piezas.

Al principio, trabajar con plumilla puede parecer un poco truculento o difícil sobre todo por el manejo en los trazos curvos, y el hecho de que las plumillas de metal mas delgado pueden trabarse en el papel pero tener la calma para desarrollar la técnica lo vale, ya que utilizarla te ayudará a enfocarte en los detalles y las texturas de tu trabajo; si hay algo que de verdad me gusta de esta técnica es el dominio que te otorga sobre el acabado en las sombras, los detalles ultra finos que te permite integrar en las piezas y que puedes utilizar muchísimos colores de tinta para obtener resultados espectaculares.

Nota: si usas esta técnica es posible que consumas mucho tiempo en tus obras, sobre todo al inicio, así que no te preocupes por hacer una obra diaria en este reto y ármate de paciencia, te aseguro que lo que logres será increíble.

– Entintado con Bolígrafo –

ilustracion Entintado boligrafo by Veronik Ilustra

El bolígrafo es una técnica económica, que al principio puede parecerte descuidada y sin gracia alguna, sin embargo hay grandes artistas que han encontrado el modo de sacarle provecho a los garabatos como Vince Low que esta poniendo al mundo a girar con su habilidad para el retrato.

Utilizar el bolígrafo como técnica no solo es sustentable sino que te permite obtener control sobre el nivel de presión en tu trazo y a mejorar tu percepción de los medios tonos en la imagen, ya que a diferencia del estilógrafo, que ofrece varios grosores en la punta, el del lapicero es solo uno , lo que te obliga a  dominar tu nivel de presión, la linea de trazo y sobre todo la textura que definirá tu estilo.

¿Quién dijo que para hacer buenas ilustraciones necesitabas material complicado?

 

5 ideas para sobrevivir el Inktober

5 ideas para sobrevivir el Inktober by Veronik Ilustra

Octubre se acerca y con el, llega de nuevo la posibilidad de ser visible ante todo el mundo gracias a #Inktober, este reto maravilloso creado por Jake Parker.

Si esta es la primera vez que lees ese término es posible que necesites leer este post antes de continuar, pero si ya te ha tocado ser parte de todo este movimiento y como la mayoría, te has quedado sin ideas a mediados de mes (o en mi caso a mediados de la primera semana u_u), este post puede serte de mucha ayuda para generar más piezas, interactuar con tus seguidores y decirle al mundo aquí estoy con un trabajo que conecte y llame la atención.

Como ya sabes, cubrir los 30 días del mes con una pieza diaria es una de las cosas más difíciles de este reto, sobre todo si tratas de  mantener una coherencia entre tus piezas, quieres dibujar algo grandioso que llame la atención o simplemente te hace falta una fuente inagotable de ideas para dibujar. Por suerte hay varias cosas que puedes tomar en cuenta para facilitarte todo este proceso y obtener los mejores resultados de este reto.

En este post encontrarás 5 ideas fáciles, que me ayudaron a desarrollar mis piezas del año pasado sin preocuparme por qué dibujaría el día siguiente.

1.- Puedes trabajar con una historia

Sin importar si es algo de tu propia creación o un cuento conocido que siempre quisiste ilustrar, trabajar con una historia no solo te permitirá mantener el camino a lo largo del mes, sino que te facilitará decidir que dibujar cada día.

Comienza eligiendo tu historia y divídela en 30 piezas (o 20, o las que salgan, recuerda que #Inktober se trata de practicar y mantenerte visible) de este modo tendrás elegidas las escenas que quieres dibujar y una idea previa de lo que harás, lo que te facilitará hacer bocetos y entintados, de modo que puedas presentar una pieza al menos cada tercer día (en caso de que incluyas sombreados o tu estilo sea mas complicado).

Otro de los beneficios de trabajar con historias es que te permiten tener un producto final, ya sea un fanzine, un comic, una serie de postales o simplemente aplicaciones que puedas agregar a tu tienda en linea. A final de cuentas mantener una historia  a lo largo de este reto te ayudará a generar interés y enganchar a las personas con tu trabajo. #Inktober es un movimiento excelente para presentar proyectos pequeños y hacerte notar a nivel internacional.

Un tip extra para historias: Procura que las imágenes puedan funcionar sin texto así podrán admirarlas y entenderlas en cualquier parte del mundo sin dificultad. Y relájate, si las piezas no quedan bien desde un principio recuerda que mantendrás interesada a tu audiencia y habrá mucho material que podrás editar a fin de mes.

2.- Trabaja un solo personaje.

Imagina qué pasaría si le dedicaras 30 días de tu tiempo a uno solo de tus personajes, generar sus posturas más comunes, sus vestimentas, expresiones, hacer un par de escenas y dedicarte a perfeccionarlo todo un mes.

Definitivamente no solo tendrías un personaje grandioso, y bien trabajado con una estructura que dominarías fácilmente, también tendrías un personaje conocido con el que tus seguidores se identifican, reconocen tu trabajo e incluso desean comprar tus aplicaciones de él.

#Inktober siempre será el mejor momento para las marcas ilustradas que comienzan a generar historias, productos y personajes entrañables por dos cosas, la continuidad y la presencia que te ayuda a desarrollar. A final de mes tu personaje será bien definido, estructurado y sobretodo, conocido. ¡Aprovéchate!

Un tip extra para los personajes: No trabajes en color todavía, date el tiempo de definir la linea que quieres que tenga y el modo en el que deseas que se mueva, todo el contenido que generes te servirá como una guía de referencia a futuro, porque no solo en #Inktober puedes generar personajes o_~.

3.- Experimenta y domina una técnica nueva de entintado

Una vez más, la posibilidad de practicar que te ofrece un reto como #Inktober es el mejor medio para desarrollar habilidades en cuanto a técnica o estilo gráfico. Si aún no tienes una técnica o material favorito este es el momento de experimentar.

Puedes intentar diferentes marcas o productos con base de tinta o formas de aplicación y mezcla; desde el tipo de material que usarás para diluir (agua, otra tinta, alcohool, etc) hasta las herramientas que utilices para aplicarla (pinceles, rotuladores de agua, plumillas, etc).

Rétate a ti mismo a salir del negro básico, cambia el color de tus fondos, recuerda que el principal objetivo de #Inktober es ejercitar y dominar la técnica, pero en un sitio donde todos hacen cosas similares, salir de lo normal te ayudará a destacarte.

Un tip extra: puedes practicar varias cosas a un tiempo por ejemplo, la técnica de plumilla con las 30 posturas deportivas que siempre quisiste dibujar y no habías encontrado el momento de hacerlo. Si quieres mas sobre técnicas posibles no te pierdas esta entrada.

4.- Ejercita las posturas o los paisajes de fondo

Retoma todas las imágenes de referencia que has guardado y comienza a practicar con ellas, el sombreado y los paisajes también son algo que puedes explotar durante este mes para crecer como artista y no te llevaran mucho tiempo.

Si aún no tienes un archivo de referencias estas a tiempo de generarlo, busca 30 posturas o 30 fotos de paisajes y aprovéchate, tal vez sea el momento de que domines el dibujo arquitectónico que siempre te costó trabajo o_~.

5.- Usa la lista de reto que Jake parker esta ofreciendo este año.

Para mejorar la experiencia y ayudarte a salir del “me he quedado sin ideas” que surge en la segunda semana del reto Jake Parker ha creado una lista oficial de sugerencias que pueden ayudarte a generar nuevo material, puedes revisar la versión original en inglés aquí o descargar la versión traducida al español de esta página.

Lista oficial de #Inktober en español traducida por Veronik Ilustra + 5 ideas para sobrevivir Inktober

Un tip extra: si quieres que tu lista sea personalizada puedes hacerla girar al rededor de un tema que te guste o si quieres que tenga mejores resultados con tus seguidores pregúntales a ellos que quisieran ver mediante una encuesta de Facebook.

 

¡Suerte con todos tus dibujos y que la tinta te acompañe!
o_~.

Inktober 2016

El año pasado decidí darle un sentido más creativo y útil al reto de #Inktober y generar los gráficos para la historia de uno de los primeros personajes que hice cuando comenzaba a ilustrar.

Trabajar por proyecto fue una de las cosas que mas facilitó llegar al final del mes y tener algo táctil que comencé a enviar a mis amigos más cercanos y que me encantaría tener en algún momento como fanzine en mi tienda.

A continuación te dejo algunos datos sobre la creación, la técnica y la historia de este proyecto que podrían servirte para generar algo tuyo y sacarle provecho al #Inktober de este año más una galería con todas las piezas que hice como resultado.

Inktober 2016 by Veronik Ilustra

1.- La Historia:

Como te comentaba esta historia y este personaje son antiguos, basados como siempre en una de mis pesadillas. La Lucifiernaga se ha convertido poco a poco en un favorito de mis seguidores aunque nunca antes la había definido en su totalidad ni mucho menos contado su historia. Esta es la imagen original del personaje y la descripción que escribí en uno de mis diarios copiada tal cual:


lucifiernague 001

La Lucifiernaga

“Una hada obscura de luciérnaga que danza en la puerta del infierno. Igual que las sirenas, la risa tintineante de este pequeño espíritu puede traerte esperanza, pero su canto y su abrazo te traerán el peor dolor que has sentido junto con la primer luz que puedas ver de ese mundo.”


 

Lo sé, desde entonces ya era extraña o_~. Pero me decidí a retomar este fragmento y comenzar a dar vida a todas mis historias de un modo más físico y dejarlas vivir también fuera de mi cabeza. #Inktober ha sido una herramienta excelente para forzarme a hacerlo.

2.- La Técnica:

Uno de mis favoritos de siempre es el bolígrafo, ya que, aunque me exige un poco más de tiempo, me permite tener control absoluto sobre mis texturas y engrosar o adelgazar las lineas tanto como deseo, sin contar que es una técnica bastante económica comparada con otras.

En este caso en especial, elegí esta técnica para permitirme el juego de color y texto para complementar la historia como si hubiera susurros en el fondo y aproveché el movimiento disparejo que ofrece en el trazo continuo para remarcar el efecto de luz y agua haciéndolos más dinámicos.

lucifiernague 002

3.- La planificación y el proceso:

No te mentiré, hubo preparación previa para este proyecto lo que consistió principalmente en encontrar la historia original y dividirla en una cantidad de fragmentos que me permitiera ser clara con la progresión de sucesos para mantener la coherencia.

Utilicé los primeros días de Octubre para dividir la historia en viñetas, bocetar en pequeño lo que sería cada una de las páginas y finalmente trazar la maqueta en mis hojas de opalina de modo que pudiera llegar y dibujar directamente una viñeta por día.

Hacer todo este proceso fue lo que me facilitó muchísimo llegar a las 20 piezas a lo largo del mes, y aunque no fueron 30 como se espera en el reto, el hecho de tener un proyecto terminado te deja tan satisfecho como si hubieras dibujado todo el mes.

Ahora si, una galería de resultados para disfrutar, comentar y compartir n_n.

 

 

 

 

 

 

Tú ¿Qué historia vas a contar este #Inktober?

 

Lo bueno, lo malo y lo feo de ser Ilustrador

ilustracion manos Lo bueno, lo malo y lo feo de ser ilustrador by veronik ilustra

Hace tiempo que quería escribir este post, si te soy franca he dudado mucho sobre redactarlo porque no es algo fácil de decir; hablar sobre la realidad de este trabajo puede tener menos encanto de lo que imaginas y la verdad, compartir historias tristes no es una de mis mejores habilidades.

Sin embargo una de las cosas que más me preguntan es ¿En qué consiste la vida de un ilustrador? y sé que seguramente tú también te has hecho esta pregunta (sobre todo si eres un aspirante a vivir de tus dibujos).

Por eso en esta ocasión quise darme el tiempo de responder a esta pregunta, en especial después de haber pasado los últimos 6 meses inmersa en el campo, llena de proyectos y situaciones que me han dado la experiencia para poder contestarte con certeza.

Igual que cualquier otro trabajo, la ilustración tiene sus buenos momentos, de esos que pagan y dejan el ego grande, también están los malos, esos que te hacen desear dedicarte a otra cosa y luego están esas extrañas cosas que te ponen la vida en perspectiva y que son difíciles de explicar.

Sé que sin importar lo que yo pueda comentarte en este post muchas de estas cosas las comprenderás cuando las vivas, pero sé también que la experiencia que puedo poner a tu alcance en este momento (aunque no es tanta como yo quisiera) te ayudará a definir un poquito mejor las expectativas que tengas sobre esta profesión y sobre todo, te ayudará a estar preparado para enfrentar algunas situaciones poco gratas.

Comencemos con lo bueno:

Si hay algo que definitivamente no me permitiría alejarme de la ilustración es el placer de dibujar. Sé que lo he dicho muchas veces pero si me hubieran dicho cuando era pequeña que llegaría a vivir de llenarme las manos de pintura no lo hubiera creído, en especial después de ese momento en la secundaria cuando me dijeron que era imposible.

Definitivamente seguir este camino no ha sido algo fácil, eso te lo aseguro, hay mucho trabajo, desvelo, aprendizaje, frustraciones (de las cuales hablaremos más tarde) y cuestiones que tal vez te harían correr en la dirección contraria y no querer volver a tomar un lápiz en tu vida pero al final, cuando encuentras el ritmo de tu trabajo, lo conoces y sabes en donde y como promoverlo los resultados valen la pena.

Sé que igual que yo habrás escuchado muchas veces la frase: “Haz aquello que ames y no tendrás que trabajar un día en tu vida” pero la verdad es que incluso al encontrar algo que ames habrá momentos en los que no sepas que hacer, y tengas que luchar por defenderlo de todos, hasta de ti mismo; el amor por algo requiere compromiso, toneladas y toneladas de compromiso que son al final lo que te hace sentir completo mientras haces eso que te gusta, pero siempre, y sobre todo en carreras como esta, debes estar listo cuando decidas aceptar ese compromiso. 

Otra de las cosas que más me gusta de desarrollarme en el área del diseño y la comunicación visual es tener la posibilidad de ayudar a complementar ideas, proyectos y visiones a través de la ilustración. Encontrar un campo de acción en donde haces más que solo dibujar cosas bonitas y darle un sentido más funcional a tu trabajo siempre será una gran emoción para tu ego y tu autosuficiencia. Saber que eres necesario, requerido y que la gente encuentra la funcionalidad de tu trabajo y está dispuesta a pagarlo siempre será lo mejor.

A medida que avanzas y obtienes proyectos nuevos tu trabajo evoluciona, uno de los encantos de ser ilustrador es que tu trabajo siempre estará en constante crecimiento, cada nuevo trazo es el paso siguiente a una mejor versión de tu trabajo y cada nueva experiencia te ayuda no solo a aprender, u obtener mejores habilidades sino también a agregar valor artístico y económico a tu trabajo. Cada proyecto en el que participas es una puerta abierta a más proyectos, más personas que se interesen en lo que haces y por lo tanto más posibilidades de que lo adquieran.

Ahora lo malo u_u.

En realidad no considero que existan cosas malas en el trabajo de un ilustrador, para mí, todo es parte de un todo, sin embargo existen algunos contratiempos que pueden hacerte desesperar y dudar de si este trabajo es para ti. Enfrentar estas situaciones es parte de lo que todo ilustrador ha tenido que sobre llevar, pero es en la forma de sortearlas que encontrarás el crecimiento de tu trabajo.

Como ilustrador necesitas especializarte y ser versátil al mismo tiempo, lo sé, no suena nada coherente, pero antes de que comiences a rascarte la cabeza te explico: En nuestra área de trabajo es común que nos atemos a un solo estilo gráfico y lo explotemos por lo general de manera personal (sobre todo al inicio). Sin embargo una vez que comienzas a buscar trabajo te das cuenta de que las piezas que solicitan son más objetivas, y muchas veces te llevan a trabajar fuera de tu zona de confort (puro crecimiento o_~).

El reto que un trabajo puede imponerte va mucho más allá de simplemente encontrar quien quiera comprarlo, o para quién quieres ilustrar, sino de tener la capacidad de adaptarte a las necesidades del proyecto, lo que en muchas ocasiones está por fuera de tus posibilidades o tu área de confort. En algunos casos prácticamente tendrás que olvidarte de la temática que manejas, tu gama de color, tu estilo gráfico, etc. y trabajar bajo presión, sobre todo en las agencias, donde es necesario que te adaptes y desarrolles estilos gráficos diferentes en muy poco tiempo lo que te puede llevar en muchas formas a sentirte inseguro e incapaz.

Incluso dentro de lo que conoces trabajar para otras personas ya sea como freelance o como parte de un equipo en una agencia siempre te llevará a encontrar zonas de tu trabajo que no habías explotado, temas con los que nunca trabajaste o tecnicismos de tu estilo que creías haber dominado pero no es así. A veces en la puerta del aprendizaje siempre está la frustración, y tener que extenderte en tiempo record es un asunto difícil de sobrellevar si no estás listo. Por lo tanto entre más domines un área de tu trabajo y te especialices en ella mayores serán las posibilidades de obtener comisiones de este tipo y también mayores serán las ganancias que puedas obtener por ellas.

Otra de las cuestiones que pueden convertirse en algo complicado es la competencia, y más que la competencia, la auto crítica que genera el poner nuestro trabajo junto al de otras personas.  En este momento la ilustración está tomando relevancia entre los jóvenes dibujantes como un medio de vida y cada día surgen nuevos artistas con grandes propuestas de diseño, historias increíbles y personajes entrañables que pueden hacerte temblar al verlos, yo misma he sentido pánico al encontrar personitas mucho más jóvenes con una habilidad y calidad de trabajo inmensurables.

Sin embargo y como lo dije antes, en ningún momento la competencia puede considerarse como una cosa “mala”; como mi abuela solía decir “el gusto se rompe en géneros” y definitivamente el hecho de que existan muchos ilustradores no disminuye las posibilidades de que coloques tu trabajo. De hecho estas posibilidades se multiplican, todo depende de la unicidad de tus piezas e incluso de las alianzas que hagas con otros artistas. Siempre que sepas valorar tu trabajo y hacerlo valer ante tus espectadores tendrás un espacio garantizado.

Lo mismo aplica para aquellas personas que quieren tu trabajo gratis, una de las cosas que de verdad pueden hacerte pensar que dedicarte a esto no es remunerable es sin duda la cantidad de personas que querrán que les regales tu trabajo y si bien no te digo que jamás lo hagas debes saber cuándo es conveniente regalarlo, poner tus condiciones y sobre todo saber defender tu precio.

Por último: Lo feo de ser Ilustrador

En lo personal siento que lo feo de la ilustración va un poco más allá de las cosas que simplemente se ven, todo depende un poco de lo que dejas de hacer por ti mismo y es que un trabajo como este puede distraerte un mucho de todo lo que te rodea.

¿Recuerdas que más arriba te dije que esta profesión requiere compromiso? pues aquí vienen las cuestiones y los estragos que puede dejarte el hecho de que te guste tanto dibujar. Una vez más, no te preocupes, sobre todo estas situaciones pueden corregirse adaptando un poco tu estilo de vida.

No te mentiré, la vida de un ilustrador con trabajo tiende a ser solitaria. Si bien es divertido estar haciendo siempre lo que te gusta después de un tiempo de estar ocupado comienzas a extrañar tu vida social (en especial si eres como yo y agregas tantos detalles y texturas a tu trabajo) son muy pocas las personas que estando a tu al rededor comprenden lo absorbente que puede llegar a ser tu profesión y por lo tanto tu necesidad constante de estar pegado a tu cuaderno o  computador.

Y es que una vez que comienzas a trabajar en lo tuyo es fácil que se te olvide que el mundo existe; por ello es bueno que procures establecerte un horario fijo de trabajo y no te olvides de hacer un par de conexiones con el mundo real (hacerlo por medio de redes sociales no vale). Date tiempo de encontrarte con personas que no sean de tu área de trabajo, más allá de otros ilustradores porque si bien son personas que comprenden tu estilo de vida continúan siendo parte de tu entorno laboral y también necesitas encontrarte con personas que hagan más notoria esa pausa en tu vida de dibujo, a veces la línea entre divertirte y seguir trabajando es muy delgada (o al menos a mí me pasa) porque dejar de hacer ilustración para seguir hablando de ilustración no siempre es un descanso u_u.

Por otro lado, el hecho de que el trabajo como ilustrador sea tan laborioso y demandante puede convertirse en un contratiempo al momento de calcular tus costos, siempre es posible que acabes trabajando más de lo que debes solo porque te gusta como está quedando y quieres llevar tu trabajo al siguiente nivel, necesitas saber cuándo detenerte; no hacerlo podría llevarte a ocupar tiempo que deberías estar entregando a otros proyectos, a desgastarte sin la remuneración adecuada y por consiguiente retrasar las entregas de otros proyectos lo que terminará haciéndote perder clientes.

En el caso de los proyectos grandes como libros, novelas gráficas, comics, etc. que requieren un dominio absoluto de tu estilo, el tiempo de desarrollo tiende a ser largo, en especial si estás trabajando tu solo, lo que es común. Trabajar en proyectos de este tipo puede ser agotador física, mental y económicamente, debido al sedentarismo, la exigencia creativa continua y la imposibilidad de conseguir nuevos proyectos o dar continuidad a la promoción de tu trabajo para garantizar la entrada de nuevas comisiones. Para contrarrestar todo lo anterior es necesario que te des la oportunidad de organizarte, incluir horarios específicos para tus actividades y evitar dejar las cosas para el último minuto.

Por último, no quiero irme sin tocar el tema que nos hace temblar las piernas a todos los principiantes y es que si existe un lado verdaderamente feo de la ilustración está escondido justo detrás de la exposición de nuestro trabajo, encontrarnos cara a cara con la critica que destroza es una de las experiencias más comunes dentro del área y es algo que no podemos evitar sin importar quienes seamos ni que tan alto podamos llegar en el  rubro.

Siempre estaremos expuestos a comentarios desagradables, crítica destructiva y cuestiones poco gratas que nos hagan dudar de nuestras habilidades. Lamento decirte que en ningún momento podrás evitar recibir comentarios de este tipo, lo único que puedes hacer para evitar que te afecten es tomar solo aquello que te haga crecer, todo lo que te distraiga o detenga no puede ser tomado en cuenta.

Al parecer me extendí un poco más de lo que esperaba en esta ocasión así que me despediré pronto n_n. Espero que de algún modo este post pueda aclararte el panorama y no hacerte sentir tan solo en esta travesía que es la ilustración o_~.

¿Para tí que es lo más grandioso y lo más difícil de ser ilustrador?

Por qué y cómo comenzar a promover tu ilustración.

Lo sé, todo el tiempo utilizo las palabras “promover tu ilustración” y es que si bien es posible que a todos los que te rodean les guste o incluso se aventuren a pedirte algún dibujo (la mayoría de las veces sin pago) promover tu ilustración es lo que te permitirá que realmente despegues con tu proyecto ya sea como ilustrador freelance o marca ilustrada (otras de las palabras que más me gustan n_n).

Por qué y cómo promover tu ilustración by Veronik Ilustra

Pero, ¿A qué me refiero cuando digo esto? Contrario a lo que estás pensando, cada que digo promover tu ilustración no me refiero a simplemente colgarla en todos los sitios, galerías, grupos, páginas, etc… y pedir likes al por mayor. Noup, promover tu trabajo no se trata de eso, sino de llegar a las personas adecuadas en el medio perfecto para captar su atención.

Aquí todo se trata de estrategia o_~.

Dependiendo de cómo, dónde y cuándo compartas tu trabajo podrás elevar la cantidad de seguidores que valen la pena, porque son los que llevan a pedidos y por lo tanto también traen ganancias.

Una vez que has generado tu estrategia, dejarás de desperdiciar tu tiempo, tu talento y podrás comenzar no solo a ganar, sino también a elevar tus costos y adquirir mejores proyectos ya que estarás llegando a las personas adecuadas quienes te valorarán y  se enamorarán de tu trabajo. (Una nota rápida: si tu estrategia es la adecuada ni siquiera tu estilo importa).

Ahora bien, te estarás preguntando “Pero Verónica ¿Cómo generar esta estrategia? suena como algo súper complicado y tedioso…” pero la verdad no lo es; como ya te comenté al inicio, todo se trata del lugar y el momento pero primero:

Tu trabajo:

Sin importar el lugar en el que decidas promover tu trabajo (redes sociales, blog, o expos) es importante darle a tu contenido una “coherencia visual”esto puedes lograrlo trabajando por colecciones, o seleccionando tus piezas y ordenándolas por color, técnica o tema. Hay ilustradores que incluso generan una historia.

Esta coherencia visual le da a tus espectadores la posibilidad de saber qué van a encontrar en tu blog o fanpage y saber si tu trabajo es o no para ellos.

En caso de que muestres una historia a través de tus piezas también podrás atraparlos y hacer que se identifiquen con tu trabajo. En lo personal, ésta me parece una opción más efectiva e interesante, ya que al final puedes tener un producto listo para editar y vender, aunque a veces es complicada para desarrollar y llevar con constancia.

Si tienes varios temas, historias o estilos, es bueno que les des tiempo a cada uno (mínimo un mes) lo que te ayudará a que quien lo vea no se confunda y la transición de un tipo de trabajo a otro sea fácil. (Cuando dejan de seguirte, la mayoría de las veces es porque no encuentran un sentido claro en tu trabajo).

También trabajar de esta forma te ayudará a generar expectativa de modo que puedas mantener a las personas más cerca de tu trabajo.

¿Por dónde comenzar?

Ahora que ya revisaste tu trabajo y lo clasificaste, puedes definir con mayor claridad a quien presentarlo, en qué orden y sobre todo en qué plataforma.

(Aparentemente aquí es donde todo se complica…   … pero solo aparentemente o_~).

Esto se debe a que tus opciones son muchas, en lo personal, te recomiendo que comiences con un blog o página web, de modo que puedas generar una galería propia en la que siempre puedan encontrar sólo tu trabajo, sin perderse o desviarse y donde además puedas incluir contenido complementario que te permita ir posicionando poco a poco y te ayude a respaldar la calidad y trasfondo de tu trabajo.

Este es un lugar excelente para mostrar la evolución de tu trabajo y reunir a todos tus seguidores.

Una vez que tienes esta “central de contenido” puedes pensar en tus redes sociales, las que te servirán ara llamar a tus seguidores y llevarlos a tu sitio web. En tus redes puedes mostrar solo “una probadita” de tu verdadero contenido, o también puedes usar galerías para atraer a otros clientes dividiendo tus estilos gráficos o actividades en cada una de las redes.

Algo a tomar en cuenta al iniciar en este medio es la gente que encontraras en cada red social, por ejemplo, Facebook reune personas de 25 a 45 años de edad mayormente mujeres, mientras que Instagram es mas utilizado por adolescentes y jóvenes menores de 23 años, las actividades de cada uno pueden ser lo que defina el éxito de tu trabajo en el medio. (No te preocupes, ya hablaremos de esto con mas detenimiento o_~).

¿Cuándo?

Lo bueno de esto es que el “cuándo” lo defines tú, para generar en ellos la costumbre de encontrar siempre tu contenido nuevo a una hora y día de la semana determinados, de éste modo la expectativa sobre tu nuevo trabajo se generará sola y servirá bien, sobre todo cuando presentas historias, ya que puedes actualizar cada semana o tercer día con una viñeta nueva.

Debes tener en cuenta que hay horarios en los que tu público esta más disponible, por ejemplo los estudiantes están más presentes en la tarde así que es ese el horario en que debes promocionar más activamente en tus redes sociales.

Recuerda que la continuidad te hará visible pero el contenido y la coherencia visual harán que se queden y te compren.

Y tú ¿Qué parte de tu trabajo vas a mostrar primero?

 

8 tips para un gran portafolio de ilustración

Se acabó Junio, pero definitivamente las cosas que nos dejó fueron grandes, una de ellas fue el grupo Ilustra (en Facebook), una comunidad para ilustradores  en la que hemos tenido la oportunidad de integrarnos y compartir nuestro trabajo pero sobre todo aprender. (Aún puedes integrarte aquí)

A lo largo de este mes me dediqué a compartir con ellos (los integrantes de Ilustra) estos 8 tips que están hoy también a tu alcance para que puedas mejorar tu portafolio de ilustración e incrementar las posibilidades de que te contraten.

Portafolio de ilustración tip 01 de 08 ¿Qué esperas para ver los otros 7?

El primer punto a descubrir es a quién le vas a entregar tu portafolio.


no es lo mismo una editorial para niños que una revista de moda o un cliente que quiere ilustración para sociales.


Observa las necesidades que tiene cada uno y ve hacia ellos presentándote como su mágica salvación. Ve lo que han publicado con anterioridad y valora en tu trabajo lo que les podría servir.

Tip No. 2 para crear un portafolio de ilustración ¿Qué esperas para descubrir los otros 7?


Es bueno que no pases de 12 piezas cuando hagas un portafolio.


Ten en cuenta que quienes lo reciben (porque por lo general te piden que lo dejes y luego te llaman para entrevistarte) solo tienen 10 minutos para observarlo. Así que entre más breve seas y mejor impacto tengas más altas serán tus posibilidades.

No agregues trabajos incompletos, o procesos, o piezas de una misma colección (que sean similares), toma tu portafolio como 12 posibilidades de exhibir tu trabajo o 12 oportunidades de conquistar a tu cliente.

Tip No. 3 para crear un portafolio de ilustración exitoso ¿Qué esperas para descubrir los otros 7?

 

Sobre todo tú que estás en ciudades más grandes y con más competencia, ten en cuenta que


entre más opciones lleve tu portafolio más puedes confundir a tu cliente,


alguien que busca carteles no quiere ver volantes, o anuncios web sino eso, carteles.

Créeme, se que es una lata tener que preparar dos o hasta 3 portafolios pero a la larga te evitas de confundir y perder clientes.

También puedes buscar clientes por tema, lo que te permite más variedad, por ejemplo en mi caso mi portafolio abarca estilos gráficos para temas de tradición mexicana, ahí si puedo meter hasta 3 estilos.

Tip No. 4 para un portafolio de ilustración exitoso. ¿Qué esperas para ver los otros 7?

La penúltima pieza que incluyas puede ser un giro inesperado de tu trabajo, aquí puedes aprovechar para proponer algún estilo o técnica que le sea útil a tu cliente sin romper con la estructura de tu trabajo, pero haciéndolo más interesante.


Anímate a ser osado y proponer cosas que no se hayan visto antes, puede que tu visión sea precisamente lo que están buscando.


 

Tip No. 5 para un portafolio de ilustración exitoso ¿Qué esperas para ver los otros 7?


El orden que le des a tus obras en tu portafolio va a ayudar a que quien lo reciba no solo vea tus piezas, sino que tenga una experiencia grata a través de tu trabajo.


Procura comenzar con una Ilustración de impacto que lo invite a seguir revisando tu portafolio y termina con una pieza que se identifique con su trabajo para que no te olvide tan fácilmente.

 

Tip No. 6 para un portafolio de ilustración exitoso ¿Qué esperas para ver los otros 7?

A veces tu cliente necesita una “ayudadita” para visualizar el trabajo que le estas mostrando en una de sus publicaciones, sobre todo en cuestión de revistas;


puedes estructurar tu ilustración como parte de una página impresa para que ellos se identifiquen más fácilmente.


Tip No. 7


Agrega descripciones a tus obras, de modo que se destaque tu trabajo.


A tu cliente le interesa saber si ha habido más personas que confiaron en ti, las técnicas que utilizas más, las galerías en las que has trabajado y las fechas de cada obra (por eso es importante que tu trabajo sea reciente). Hazlo lo más simple pero también cita lo más importante.

Tip No. 8 para un portafolio de ilustración exitoso ¿Qué esperas para ver los otros 7?

Por último y contrario a lo que la mayoría piensa es necesario que te mantengas simple,


Lo último que quieres es distraer a tu cliente del trabajo que realmente quieres venderle: Tu ilustración.


Por esta razón es mejor una presentación sencilla pero profesional, tanto en diseño editorial como en encuadernado.

Digamos la verdad, no estas buscando el trabajo de diseñador editorial para la revista sino el de ilustrador, no te van a contratar para encuadernar el libro sino para anexar tus ilustraciones y eso es lo único que quieren ver. Por eso entre menos texto, y elementos que distraigan mejor.

¡Ahora sí, estamos listos para un buen portafolio de ilustración!

No olvides que también puedes integrarte en Ilustra para resolver tus dudas, recibir ayuda al seleccionar tus piezas y compartirnos como queda tu trabajo.

sigamos leyéndonos o_~.

 

3 lugares para tu portafolio de Ilustración.

A lo largo de este mes tu y yo vimos lo bueno que resulta tener un portafolio, te compartí en mi comunidad los 8 tips para construirlo y encontramos las cosas que debemos evitar al crearlo para lucir como todos unos profesionales.

En esta ocasión y para cerrar el serial de portafolio, te presento los 3 lugares en los que tu portafolio de ilustración no puede faltar si lo que quieres es promocionar tu trabajo y obtener clientes.

hay 3 sitios donde puedes (y debes) anexar tu portafolio o parte de el para lograr interesar a tus clientes potenciales, ¡Si ya lo tienes sácale provecho!

1.- Tu página web / blog

Definitivamente no solo se trata de que tu portafolio tenga buen contenido, esté bien construido y sea ordenado y presentable. También tienes que sacarlo a la luz y uno de los mejores sitios para colocarlo es tu página web o blog.

Es necesario que lo dejes en una página o pestaña nueva donde tenga un espacio exclusivo de modo que quien te visite pueda dar un vistazo fácilmente; de hecho puedes hacer una página para cada tipo de ilustración que presentes, recuerda que entre más fácil sea el acceso a tu material más posibilidades tienes de encontrar clientes.

Dentro de tu página puedes también agregar tu portafolio de ilustración a tu sección “servicios” o “contacto” en una versión descargable, ya sea que crees un archivo zip o un pdf, con ello elevarás la visibilidad de tu trabajo.

Algo que me gusta de tener un blog es que cada que creas contenido para tus clientes o haces una entrada para uno de tus procesos de trabajo reavivas el movimiento en tu página y obtienes nuevas oportunidades de adquirir clientes y difundir tus ilustraciones, así que no olvides aprovechar esos finales de post en los que hablas de tu estilo gráfico o la temática con que trabajas para incluir el link a tu portafolio de ilustración.

2.- Tus perfiles en linea.

Facebook, Instagram, Pinterest, todos tienen una manera especial de ayudarte a presentar tu trabajo como una etiqueta extra de tu personalidad. Por eso es bueno que también incluyas los links a tu portafolio de ilustración  o que hagas álbumes especiales para este fin.

En este momento Facebook te está permitiendo agregar 5 fotografías destacadas en tu perfil personal las que puedes dejar públicas para que quien te visite pueda conocer tu trabajo. Si eres de los que tienen un fanpage en esta red social no dudes en generar un álbum independiente en tus fotos en el que solo integres los trabajos de ilustración más destacados tal y como los presentarías en tu portafolio, de este modo puedes compartir el link de acceso a este álbum sin ningún problema, así te ahorrarás estar enviando el mismo pdf a quienes te contacten e incluso ganarás seguidores en el proceso.

No olvides actualizar continuamente tu portafolio de ilustración y compartirlo en los grupos donde puedas encontrar a tus clientes potenciales o colegas que te puedan recomendar.

3.- En tu firma de correo electrónico.

Sip, tal vez nunca habías pensado en esta posibilidad pero créeme siempre habrá alguien que de clic a todos los links que le aparezcan en tus correos sobre todo si ya te conocen.

No necesariamente tienes que incluir una fotografía en la firma sino simplemente los links de acceso con el nombre de lo que es, o una descripción amigable que les invite a “curiosear” un poco; el caso es mantener siempre tu información a la vista y hacer referencia a ella de manera constante sin llegar a cansar a tus espectadores.

Tu ¿En dónde agregarás primero tu portafolio?

3 cosas que debes evitar en tu portafolio

El portafolio de ilustración es la mejor arma que podrías tener al momento de presentarte a un nuevo cliente, o promover tu trabajo en línea, por ello debes ser muy cuidadoso al momento de construirlo.

3 cosas que debes evitar en tu portafolio para generar más confianza en tus clientes y lucir profesional

Cada pieza que elijas para formar parte de tu contenido debe ser de máxima calidad, algo que demuestre el nivel de trabajo y habilidad que tienes al momento de ilustrar, también deben ser trabajos acordes al tema que maneja tu cliente o al tipo de publicaciones que hace la empresa en la que te presentes (ya te había comentado un poquito de esto en ¿para quién quieres ilustrar?).

Sé que el proceso de selección de trabajos no solo es laborioso y difícil sino también confuso, sobre todo porque al ser tu trabajo puedes ser demasiado severo contigo mismo o dejarte llevar por las piezas que te gustan y olvidarte de tu cliente. Lo bueno es que siempre puedes pedir ayuda a tus amigos (es bueno alguien que no esté en el medio) u otros ilustradores (como la comunidad que estoy construyendo o_~).

Por lo pronto puedes comenzar a construir tu portafolio y garantizar el mejor contenido evitando estas 3 cosas al momento de elegir.

Poner más de 12 piezas:

No es que exista un número específico de ilustraciones que debas incluir en tu portafolio, pero por lo general se recomienda que sean entre 6 y 12 piezas para que tengas la oportunidad de mostrar el trabajo que haces en poco tiempo.

Cuando construyas tu portafolio de ilustración debes tener en cuenta que las personas quienes lo reciben no tienen mucho tiempo para ahondar en tu trabajo a menos que los atrapes, por ello tu portafolio debe ser breve en contenido y alto en calidad.

Elige las piezas en las que se destaque tu trabajo y el esfuerzo que inviertes en él, para que puedan apreciar el potencial en tu ilustración y procura abarcar los temas que ellos publican de manera continua para que se identifiquen con ello. De este modo les será más fácil imaginarse trabajando contigo.

Evita las colecciones completas:

Si tienes ilustraciones que forman parte de una colección sólo incluye la más importante o destacada de todas y haz mención del resto en la descripción algo como “pieza 03 de 12 en la colección x” de este modo puedes generar interés en buscar el resto de la colección sin robarte a ti mismo otras 11 oportunidades de mostrar algo diferente.

Algo importante es también el lugar en el que quieres trabajar, si eres por ejemplo de una ciudad pequeña en la que no hay mucha competencia puedes darte el lujo de presentar 2 o hasta 3 estilos distintos; si por el contrario eres de una ciudad grande donde las posibilidades de ser contratado son menores optimiza tu portafolio presentándote a ti mismo como especialista en un solo estilo gráfico.

Evita las piezas inconclusas y procesos de trabajo:

Los procesos de trabajo por más reducidos que sean pueden robar espacio y aburrir al espectador, ten en cuenta que ellos están buscando piezas listas para publicar, y ofrecerles ilustraciones en las que solo sea necesario agregar texto, puede facilitar el trabajo y darles una visión muy profesional de ti mismo. Recuerda que todo tu trabajo debe parecer hecho pensando exclusivamente en ellos y sus clientes.

Lo más importante que debes evitar, es incluir trabajo inconcluso en tu portafolio sin importar cuan impresionante pueda parecer la ilustración que estás haciendo en este momento, es necesario que no te restes puntos al presentar piezas que no están terminadas o que no tengan la calidad que tiene el resto.

Armar un portafolio es también contar una breve historia de tu trabajo y dejarlo con una parte a medias puede echar por tierra toda la buena impresión que hayas generado en tu cliente, así que tómalo con calma y espera a que tu ilustración esté lista para actualizar tu portafolio y darle todo el espacio que necesite sin afectar tu presentación.

Así que dime ¿Cómo va tu portafolio?

Por qué y como crear un Portafolio de Ilustración

Si pudiera decirte que hay una sola cosa que nunca debes dejar pasar en tu trabajo como ilustrador (sin importar que apenas comiences, o ya tengas tiempo en el área) definitivamente me olvidaría del estilo, la técnica y demás; la única cosa que no podrías pasar por alto es tener un portafolio de calidad.

Si estás comenzando a promover tu trabajo de ilustración y quieres verte lo más profesional posible, evitar estos 3 errores en tu portafolio (sin importar si es físico o en linea) podrían significar una verdadera diferencia.

Y es que en realidad tu podrías manejar cualquier clase de estilo gráfico, técnica, o temática pero la presentación que le des a tu trabajo al momento de mostrarlo a tus clientes (sobre todo las editoriales) será un factor que los lleve a considerar si eres su mejor opción para el proyecto en el que están trabajando.

Por medio de lo que muestres en tu portafolio podrás captar a tus clientes y dar opciones de estilos sin necesidad de estar buscando como un loco entre todas las ilustraciones que has hecho para encontrar algo que les conquiste o que demuestre tus habilidades y la calidad de tu trabajo.

Es por ello que invertir tiempo en crear o actualizar tu portafolio puede ayudar a tu crecimiento y la difusión de tu ilustración, sin contar el tiempo que ahorrarás al tener algo profesional totalmente listo para echar mano de el en cualquier momento.

¿Cómo armar un portafolio de ilustración?

Comienza por tomar en cuenta a quien quieres llegar, si tu intención es entrar en el medio publicitario todo el trabajo que presentes en tu portafolio deberá ir únicamente en este sentido, ten en cuenta que presentar muchos estilos diferentes o muchas temáticas en un mismo sitio puede resultar confuso para tu cliente, lo que te hará ver poco profesional o voluble en lugar de versátil.

Sé breve, maneja un número de ilustraciones que esté entre las 6 y las 12 piezas (15 si de plano no puedes reducir más) ten en cuenta que las personas quienes verán tu trabajo tienen el tiempo medido, y no pueden dedicarse a revisar las 111 piezas de ilustración maravillosas que has hecho durante los últimos 4 años.

Sé impactante, incluye tus mejores piezas, de preferencia las que ya has expuesto, o vendido (en especial si han sido comisiones). El impacto que tengas desde la primera página te ayudará a mantenerlos con tu trabajo en mente, y los invitará a revisar todo tu portafolio de principio a fin, así que trabaja en la progresión o el orden que des a tus piezas para que la transición entre una y otra sean coherentes o cuenten una historia que los atrape.

Mantente actualizado, es bueno que hagas una revisión de tu portafolio mínimo cada 6 meses (o cada que planees presentarlo) para que incluyas el material nuevo que has generado, y revises que el contenido sea propicio para el cliente al que lo presentas.

Trabaja en tus descripciones, si tienes trabajos por comisión o ilustraciones que ya fueron publicadas haz mención de tu cliente, la editorial, las fechas en las que la ilustración fue realizada, el concepto o tema que abarcaste con ella…  Siempre que las editoriales buscan ilustradores toman este tipo de piezas como un factor importante en su decisión ya que la experiencia que llevas les garantiza un mejor trabajo.

Si tus ilustraciones aún no han sido publicadas o no has vendido una sola pieza no debes desanimarte, todos los ilustradores comenzamos como pequeños dibujantes de escuela en las orillas del cuaderno y como lo dice Steven Scott (director de arte en Scholastic Corporation, la editorial y proveedora más grande de libros para niños a nivel mundial)

“De vez en cuando contrato a ilustradores que no han publicado, pero para eso tienen que tener un portafolio muy bueno… Las ventajas son la posibilidad de conseguir algo novedoso y fresco que todavía no circula por ahí y la de poder moldearlos un poco…”.

¿Qué esperas para comenzar con tu portafolios?

Yo ya comencé el mío y en esta comunidad estaré compartiendo cómo lo estoy haciendo. ¿Te incluyes?

¿Necesitas ayuda para vender ilustración? Entonces esta comunidad es para ti. Da click y comencemos a crecer.