7 Tips para aprovechar #Inktober al máximo

7 tips para aprovechar inktober al máximo by Veronik Ilustra

Cada octubre los ilustradores nos llenamos de tinta, bocetos y mejoramos nuestras habilidades con el reto #Inktober de Jake Parker, sin embargo, por lo general al final del mes nos quedamos con una serie de dibujos o ejercicios que en el mejor de los casos se convierten en un sketchbook digno de mostrarse en nuestras redes sociales.

Pero ¿Que tal si pudieras obtener algo más? Si pudieras sacar el mayor aprendizaje en algo que de verdad vas a necesitar mas allá de mejorar tu habilidad de entintado, ¿Qué tal si pudieras hacer que este tiempo invertido en #inktober fuera funcional no solo para ti sino para los demás? ¿Y si te generara ventas? ¿Y si pudieras hacer que funcionara para promocionarte mas allá de solo este mes mientras está activo el reto? ¿Te gustaría verdad? A mi también o_~.

Es por eso que estoy reuniendo ideas, y retomando cosas que ya he puesto en practica con buenos resultados para que estén a tu alcance y tú también puedas comenzar a hacer mas por tu ilustración con este reto. ¡Comencemos!

Consejo No. 1
– Reúne tu material con anticipación. –

En mi caso basta con una caja de bolígrafos y hojas opalina, pero si quieres experimentar con otro tipo de técnicas o pinceles puedes ir reuniendo e informándote al respecto, puedes comenzar con mi post 3 técnicas que pueden serte útiles para este #Inktober.

Si estás pensando en mejorar tu dibujo de posturas puedes generar un banco de imágenes que desees usar como referencia o en el caso de que trabajes con historias puedes comenzar a dividirlas en 30 viñetas de modo que sepas que vas a dibujar con anticipación, lo que me lleva al siguiente punto:

Consejo No. 2
– Elige un tema o historia para trabajar – 

Como ya te lo mencionaba en entradas anteriores, puede ser algo que creaste o algo que ya exista y siempre quisiste hacer como Alicia en el País de las Maravillas (en mi caso), también puede ser una colección de cosas en las que tengas poca práctica, como dibujar animales por ejemplo, si quieres saber 10 temas de todos los tiempos que pueden ayudarte ven a suscribirte y descargar la lista aquí.

Consejo No. 3
– Crea colecciones que puedas vender una vez concluido el mes –

No necesitas algo complicado pueden ser posturas de un mismo personaje que desarrolles para hacer stickers, o puedes hacer playeras que luzcan bien en una sola tinta; también puedes armar un libro para colorear o una serie de postales, todo depende del tema que elijas y la aplicación que mejor se adapte a tu estilo gráfico.

Consejo No. 4
– Ve aún más lejos –

El encanto de un reto como este es, que no necesariamente tienes que quedarte sólo con la pieza que generes diaria, aprovecha el movimiento que genera el hashtag y comparte videos breves de tu avance (si son en vivo mejor), convierte tu experiencia #Inktober en tutoriales para dibujar algo en especifico o genera recursos  como un libro de paisajes o posturas atléticas por ejemplo. La cantidad de opciones para hacer funcional tu trabajo no tienen fin.

Consejo No. 5
– Especializa tu trabajo –

¿Quieres que las personas comiencen a tomarte en serio con tu trabajo y generar ventas?

Entonces es el momento de especializarte en algo, elige el tema que mas te guste trabajar, ese por el que quieres que te conozcan y te contraten; trabaja con la técnica que mejor domines y enfocate durante todo este mes en generar contenido que funcione para tus clientes, este es el momento de dibujar armaduras y paisajes dignos de un video juego, cuentos o temas para editoriales, portadas de discos, escenas de libros o carteles, todo aquello que sepas que haces a la perfección y que puedas a la larga incluir en tu portafolio.

¡Atrévete a llevar el #Inktober al siguiente nivel!

Consejo No. 6
– Comienza un blog / galería. –

La visibilidad que un blog puede alcanzar con 30 días de posts continuos es muy buena, y lo mejor es que te permitirás a ti mismo ser “googleable” y dejar de perderte entre todos los ilustradores que participan en el reto.

Recuerda que con los algoritmos tan cambiantes de las redes sociales cada día es más difícil destacarte, pero un blog es sólo tuyo, un lugar al que podrás guiar a todos tus seguidores y en el que encontrarán únicamente tu trabajo, tus productos y a ti.

En este medio también puedes usar todos los hashtags como #inktober, #inktober2017, #inktoberlatinoamerica entre otros, pero lo mejor es que puedes incluir más etiquetas que faciliten que encuentren tu trabajo en los buscadores, como por ejemplo “ilustración con tinta” o “ilustración infantil” etc.

¡Las redes sociales pueden ser importantes, pero un blog es para siempre!

Consejo No.7
– Trabaja en compañía –

Por último, el mejor modo de mantenerte motivado e inspirado con tu trabajo es estar en contacto con otras personas que estén haciendo lo mismo que tú.

Puedes unirte a Ilustra, mi comunidad digital en facebook e ir presentando tus proyectos para este #Inktober, también puedes realizar intercambios con otros artistas a quienes aprecies y puedas ver a menudo, o por qué no, organizar mañanas de café y dibujos, pijamadas de color o bueno ya se, fiestas de pizza, cerveza y tinta si esto es más lo tuyo; el caso es no dibujar solos o_~.

Espero este post te sea de mucha ayuda y si lo pones en practica o tienes algún otro consejo no dejes de ponerlo en los comentarios. Será genial leerte n_n ❤

5 ideas para sobrevivir el Inktober

5 ideas para sobrevivir el Inktober by Veronik Ilustra

Octubre se acerca y con el, llega de nuevo la posibilidad de ser visible ante todo el mundo gracias a #Inktober, este reto maravilloso creado por Jake Parker.

Si esta es la primera vez que lees ese término es posible que necesites leer este post antes de continuar, pero si ya te ha tocado ser parte de todo este movimiento y como la mayoría, te has quedado sin ideas a mediados de mes (o en mi caso a mediados de la primera semana u_u), este post puede serte de mucha ayuda para generar más piezas, interactuar con tus seguidores y decirle al mundo aquí estoy con un trabajo que conecte y llame la atención.

Como ya sabes, cubrir los 30 días del mes con una pieza diaria es una de las cosas más difíciles de este reto, sobre todo si tratas de  mantener una coherencia entre tus piezas, quieres dibujar algo grandioso que llame la atención o simplemente te hace falta una fuente inagotable de ideas para dibujar. Por suerte hay varias cosas que puedes tomar en cuenta para facilitarte todo este proceso y obtener los mejores resultados de este reto.

En este post encontrarás 5 ideas fáciles, que me ayudaron a desarrollar mis piezas del año pasado sin preocuparme por qué dibujaría el día siguiente.

1.- Puedes trabajar con una historia

Sin importar si es algo de tu propia creación o un cuento conocido que siempre quisiste ilustrar, trabajar con una historia no solo te permitirá mantener el camino a lo largo del mes, sino que te facilitará decidir que dibujar cada día.

Comienza eligiendo tu historia y divídela en 30 piezas (o 20, o las que salgan, recuerda que #Inktober se trata de practicar y mantenerte visible) de este modo tendrás elegidas las escenas que quieres dibujar y una idea previa de lo que harás, lo que te facilitará hacer bocetos y entintados, de modo que puedas presentar una pieza al menos cada tercer día (en caso de que incluyas sombreados o tu estilo sea mas complicado).

Otro de los beneficios de trabajar con historias es que te permiten tener un producto final, ya sea un fanzine, un comic, una serie de postales o simplemente aplicaciones que puedas agregar a tu tienda en linea. A final de cuentas mantener una historia  a lo largo de este reto te ayudará a generar interés y enganchar a las personas con tu trabajo. #Inktober es un movimiento excelente para presentar proyectos pequeños y hacerte notar a nivel internacional.

Un tip extra para historias: Procura que las imágenes puedan funcionar sin texto así podrán admirarlas y entenderlas en cualquier parte del mundo sin dificultad. Y relájate, si las piezas no quedan bien desde un principio recuerda que mantendrás interesada a tu audiencia y habrá mucho material que podrás editar a fin de mes.

2.- Trabaja un solo personaje.

Imagina qué pasaría si le dedicaras 30 días de tu tiempo a uno solo de tus personajes, generar sus posturas más comunes, sus vestimentas, expresiones, hacer un par de escenas y dedicarte a perfeccionarlo todo un mes.

Definitivamente no solo tendrías un personaje grandioso, y bien trabajado con una estructura que dominarías fácilmente, también tendrías un personaje conocido con el que tus seguidores se identifican, reconocen tu trabajo e incluso desean comprar tus aplicaciones de él.

#Inktober siempre será el mejor momento para las marcas ilustradas que comienzan a generar historias, productos y personajes entrañables por dos cosas, la continuidad y la presencia que te ayuda a desarrollar. A final de mes tu personaje será bien definido, estructurado y sobretodo, conocido. ¡Aprovéchate!

Un tip extra para los personajes: No trabajes en color todavía, date el tiempo de definir la linea que quieres que tenga y el modo en el que deseas que se mueva, todo el contenido que generes te servirá como una guía de referencia a futuro, porque no solo en #Inktober puedes generar personajes o_~.

3.- Experimenta y domina una técnica nueva de entintado

Una vez más, la posibilidad de practicar que te ofrece un reto como #Inktober es el mejor medio para desarrollar habilidades en cuanto a técnica o estilo gráfico. Si aún no tienes una técnica o material favorito este es el momento de experimentar.

Puedes intentar diferentes marcas o productos con base de tinta o formas de aplicación y mezcla; desde el tipo de material que usarás para diluir (agua, otra tinta, alcohool, etc) hasta las herramientas que utilices para aplicarla (pinceles, rotuladores de agua, plumillas, etc).

Rétate a ti mismo a salir del negro básico, cambia el color de tus fondos, recuerda que el principal objetivo de #Inktober es ejercitar y dominar la técnica, pero en un sitio donde todos hacen cosas similares, salir de lo normal te ayudará a destacarte.

Un tip extra: puedes practicar varias cosas a un tiempo por ejemplo, la técnica de plumilla con las 30 posturas deportivas que siempre quisiste dibujar y no habías encontrado el momento de hacerlo. Si quieres mas sobre técnicas posibles no te pierdas esta entrada.

4.- Ejercita las posturas o los paisajes de fondo

Retoma todas las imágenes de referencia que has guardado y comienza a practicar con ellas, el sombreado y los paisajes también son algo que puedes explotar durante este mes para crecer como artista y no te llevaran mucho tiempo.

Si aún no tienes un archivo de referencias estas a tiempo de generarlo, busca 30 posturas o 30 fotos de paisajes y aprovéchate, tal vez sea el momento de que domines el dibujo arquitectónico que siempre te costó trabajo o_~.

5.- Usa la lista de reto que Jake parker esta ofreciendo este año.

Para mejorar la experiencia y ayudarte a salir del “me he quedado sin ideas” que surge en la segunda semana del reto Jake Parker ha creado una lista oficial de sugerencias que pueden ayudarte a generar nuevo material, puedes revisar la versión original en inglés aquí o descargar la versión traducida al español de esta página.

Lista oficial de #Inktober en español traducida por Veronik Ilustra + 5 ideas para sobrevivir Inktober

Un tip extra: si quieres que tu lista sea personalizada puedes hacerla girar al rededor de un tema que te guste o si quieres que tenga mejores resultados con tus seguidores pregúntales a ellos que quisieran ver mediante una encuesta de Facebook.

 

¡Suerte con todos tus dibujos y que la tinta te acompañe!
o_~.

Por qué y cómo comenzar a promover tu ilustración.

Lo sé, todo el tiempo utilizo las palabras “promover tu ilustración” y es que si bien es posible que a todos los que te rodean les guste o incluso se aventuren a pedirte algún dibujo (la mayoría de las veces sin pago) promover tu ilustración es lo que te permitirá que realmente despegues con tu proyecto ya sea como ilustrador freelance o marca ilustrada (otras de las palabras que más me gustan n_n).

Por qué y cómo promover tu ilustración by Veronik Ilustra

Pero, ¿A qué me refiero cuando digo esto? Contrario a lo que estás pensando, cada que digo promover tu ilustración no me refiero a simplemente colgarla en todos los sitios, galerías, grupos, páginas, etc… y pedir likes al por mayor. Noup, promover tu trabajo no se trata de eso, sino de llegar a las personas adecuadas en el medio perfecto para captar su atención.

Aquí todo se trata de estrategia o_~.

Dependiendo de cómo, dónde y cuándo compartas tu trabajo podrás elevar la cantidad de seguidores que valen la pena, porque son los que llevan a pedidos y por lo tanto también traen ganancias.

Una vez que has generado tu estrategia, dejarás de desperdiciar tu tiempo, tu talento y podrás comenzar no solo a ganar, sino también a elevar tus costos y adquirir mejores proyectos ya que estarás llegando a las personas adecuadas quienes te valorarán y  se enamorarán de tu trabajo. (Una nota rápida: si tu estrategia es la adecuada ni siquiera tu estilo importa).

Ahora bien, te estarás preguntando “Pero Verónica ¿Cómo generar esta estrategia? suena como algo súper complicado y tedioso…” pero la verdad no lo es; como ya te comenté al inicio, todo se trata del lugar y el momento pero primero:

Tu trabajo:

Sin importar el lugar en el que decidas promover tu trabajo (redes sociales, blog, o expos) es importante darle a tu contenido una “coherencia visual”esto puedes lograrlo trabajando por colecciones, o seleccionando tus piezas y ordenándolas por color, técnica o tema. Hay ilustradores que incluso generan una historia.

Esta coherencia visual le da a tus espectadores la posibilidad de saber qué van a encontrar en tu blog o fanpage y saber si tu trabajo es o no para ellos.

En caso de que muestres una historia a través de tus piezas también podrás atraparlos y hacer que se identifiquen con tu trabajo. En lo personal, ésta me parece una opción más efectiva e interesante, ya que al final puedes tener un producto listo para editar y vender, aunque a veces es complicada para desarrollar y llevar con constancia.

Si tienes varios temas, historias o estilos, es bueno que les des tiempo a cada uno (mínimo un mes) lo que te ayudará a que quien lo vea no se confunda y la transición de un tipo de trabajo a otro sea fácil. (Cuando dejan de seguirte, la mayoría de las veces es porque no encuentran un sentido claro en tu trabajo).

También trabajar de esta forma te ayudará a generar expectativa de modo que puedas mantener a las personas más cerca de tu trabajo.

¿Por dónde comenzar?

Ahora que ya revisaste tu trabajo y lo clasificaste, puedes definir con mayor claridad a quien presentarlo, en qué orden y sobre todo en qué plataforma.

(Aparentemente aquí es donde todo se complica…   … pero solo aparentemente o_~).

Esto se debe a que tus opciones son muchas, en lo personal, te recomiendo que comiences con un blog o página web, de modo que puedas generar una galería propia en la que siempre puedan encontrar sólo tu trabajo, sin perderse o desviarse y donde además puedas incluir contenido complementario que te permita ir posicionando poco a poco y te ayude a respaldar la calidad y trasfondo de tu trabajo.

Este es un lugar excelente para mostrar la evolución de tu trabajo y reunir a todos tus seguidores.

Una vez que tienes esta “central de contenido” puedes pensar en tus redes sociales, las que te servirán ara llamar a tus seguidores y llevarlos a tu sitio web. En tus redes puedes mostrar solo “una probadita” de tu verdadero contenido, o también puedes usar galerías para atraer a otros clientes dividiendo tus estilos gráficos o actividades en cada una de las redes.

Algo a tomar en cuenta al iniciar en este medio es la gente que encontraras en cada red social, por ejemplo, Facebook reune personas de 25 a 45 años de edad mayormente mujeres, mientras que Instagram es mas utilizado por adolescentes y jóvenes menores de 23 años, las actividades de cada uno pueden ser lo que defina el éxito de tu trabajo en el medio. (No te preocupes, ya hablaremos de esto con mas detenimiento o_~).

¿Cuándo?

Lo bueno de esto es que el “cuándo” lo defines tú, para generar en ellos la costumbre de encontrar siempre tu contenido nuevo a una hora y día de la semana determinados, de éste modo la expectativa sobre tu nuevo trabajo se generará sola y servirá bien, sobre todo cuando presentas historias, ya que puedes actualizar cada semana o tercer día con una viñeta nueva.

Debes tener en cuenta que hay horarios en los que tu público esta más disponible, por ejemplo los estudiantes están más presentes en la tarde así que es ese el horario en que debes promocionar más activamente en tus redes sociales.

Recuerda que la continuidad te hará visible pero el contenido y la coherencia visual harán que se queden y te compren.

Y tú ¿Qué parte de tu trabajo vas a mostrar primero?

 

8 tips para un gran portafolio de ilustración

Se acabó Junio, pero definitivamente las cosas que nos dejó fueron grandes, una de ellas fue el grupo Ilustra (en Facebook), una comunidad para ilustradores  en la que hemos tenido la oportunidad de integrarnos y compartir nuestro trabajo pero sobre todo aprender. (Aún puedes integrarte aquí)

A lo largo de este mes me dediqué a compartir con ellos (los integrantes de Ilustra) estos 8 tips que están hoy también a tu alcance para que puedas mejorar tu portafolio de ilustración e incrementar las posibilidades de que te contraten.

Portafolio de ilustración tip 01 de 08 ¿Qué esperas para ver los otros 7?

El primer punto a descubrir es a quién le vas a entregar tu portafolio.


no es lo mismo una editorial para niños que una revista de moda o un cliente que quiere ilustración para sociales.


Observa las necesidades que tiene cada uno y ve hacia ellos presentándote como su mágica salvación. Ve lo que han publicado con anterioridad y valora en tu trabajo lo que les podría servir.

Tip No. 2 para crear un portafolio de ilustración ¿Qué esperas para descubrir los otros 7?


Es bueno que no pases de 12 piezas cuando hagas un portafolio.


Ten en cuenta que quienes lo reciben (porque por lo general te piden que lo dejes y luego te llaman para entrevistarte) solo tienen 10 minutos para observarlo. Así que entre más breve seas y mejor impacto tengas más altas serán tus posibilidades.

No agregues trabajos incompletos, o procesos, o piezas de una misma colección (que sean similares), toma tu portafolio como 12 posibilidades de exhibir tu trabajo o 12 oportunidades de conquistar a tu cliente.

Tip No. 3 para crear un portafolio de ilustración exitoso ¿Qué esperas para descubrir los otros 7?

 

Sobre todo tú que estás en ciudades más grandes y con más competencia, ten en cuenta que


entre más opciones lleve tu portafolio más puedes confundir a tu cliente,


alguien que busca carteles no quiere ver volantes, o anuncios web sino eso, carteles.

Créeme, se que es una lata tener que preparar dos o hasta 3 portafolios pero a la larga te evitas de confundir y perder clientes.

También puedes buscar clientes por tema, lo que te permite más variedad, por ejemplo en mi caso mi portafolio abarca estilos gráficos para temas de tradición mexicana, ahí si puedo meter hasta 3 estilos.

Tip No. 4 para un portafolio de ilustración exitoso. ¿Qué esperas para ver los otros 7?

La penúltima pieza que incluyas puede ser un giro inesperado de tu trabajo, aquí puedes aprovechar para proponer algún estilo o técnica que le sea útil a tu cliente sin romper con la estructura de tu trabajo, pero haciéndolo más interesante.


Anímate a ser osado y proponer cosas que no se hayan visto antes, puede que tu visión sea precisamente lo que están buscando.


 

Tip No. 5 para un portafolio de ilustración exitoso ¿Qué esperas para ver los otros 7?


El orden que le des a tus obras en tu portafolio va a ayudar a que quien lo reciba no solo vea tus piezas, sino que tenga una experiencia grata a través de tu trabajo.


Procura comenzar con una Ilustración de impacto que lo invite a seguir revisando tu portafolio y termina con una pieza que se identifique con su trabajo para que no te olvide tan fácilmente.

 

Tip No. 6 para un portafolio de ilustración exitoso ¿Qué esperas para ver los otros 7?

A veces tu cliente necesita una “ayudadita” para visualizar el trabajo que le estas mostrando en una de sus publicaciones, sobre todo en cuestión de revistas;


puedes estructurar tu ilustración como parte de una página impresa para que ellos se identifiquen más fácilmente.


Tip No. 7


Agrega descripciones a tus obras, de modo que se destaque tu trabajo.


A tu cliente le interesa saber si ha habido más personas que confiaron en ti, las técnicas que utilizas más, las galerías en las que has trabajado y las fechas de cada obra (por eso es importante que tu trabajo sea reciente). Hazlo lo más simple pero también cita lo más importante.

Tip No. 8 para un portafolio de ilustración exitoso ¿Qué esperas para ver los otros 7?

Por último y contrario a lo que la mayoría piensa es necesario que te mantengas simple,


Lo último que quieres es distraer a tu cliente del trabajo que realmente quieres venderle: Tu ilustración.


Por esta razón es mejor una presentación sencilla pero profesional, tanto en diseño editorial como en encuadernado.

Digamos la verdad, no estas buscando el trabajo de diseñador editorial para la revista sino el de ilustrador, no te van a contratar para encuadernar el libro sino para anexar tus ilustraciones y eso es lo único que quieren ver. Por eso entre menos texto, y elementos que distraigan mejor.

¡Ahora sí, estamos listos para un buen portafolio de ilustración!

No olvides que también puedes integrarte en Ilustra para resolver tus dudas, recibir ayuda al seleccionar tus piezas y compartirnos como queda tu trabajo.

sigamos leyéndonos o_~.

 

3 lugares para tu portafolio de Ilustración.

A lo largo de este mes tu y yo vimos lo bueno que resulta tener un portafolio, te compartí en mi comunidad los 8 tips para construirlo y encontramos las cosas que debemos evitar al crearlo para lucir como todos unos profesionales.

En esta ocasión y para cerrar el serial de portafolio, te presento los 3 lugares en los que tu portafolio de ilustración no puede faltar si lo que quieres es promocionar tu trabajo y obtener clientes.

hay 3 sitios donde puedes (y debes) anexar tu portafolio o parte de el para lograr interesar a tus clientes potenciales, ¡Si ya lo tienes sácale provecho!

1.- Tu página web / blog

Definitivamente no solo se trata de que tu portafolio tenga buen contenido, esté bien construido y sea ordenado y presentable. También tienes que sacarlo a la luz y uno de los mejores sitios para colocarlo es tu página web o blog.

Es necesario que lo dejes en una página o pestaña nueva donde tenga un espacio exclusivo de modo que quien te visite pueda dar un vistazo fácilmente; de hecho puedes hacer una página para cada tipo de ilustración que presentes, recuerda que entre más fácil sea el acceso a tu material más posibilidades tienes de encontrar clientes.

Dentro de tu página puedes también agregar tu portafolio de ilustración a tu sección “servicios” o “contacto” en una versión descargable, ya sea que crees un archivo zip o un pdf, con ello elevarás la visibilidad de tu trabajo.

Algo que me gusta de tener un blog es que cada que creas contenido para tus clientes o haces una entrada para uno de tus procesos de trabajo reavivas el movimiento en tu página y obtienes nuevas oportunidades de adquirir clientes y difundir tus ilustraciones, así que no olvides aprovechar esos finales de post en los que hablas de tu estilo gráfico o la temática con que trabajas para incluir el link a tu portafolio de ilustración.

2.- Tus perfiles en linea.

Facebook, Instagram, Pinterest, todos tienen una manera especial de ayudarte a presentar tu trabajo como una etiqueta extra de tu personalidad. Por eso es bueno que también incluyas los links a tu portafolio de ilustración  o que hagas álbumes especiales para este fin.

En este momento Facebook te está permitiendo agregar 5 fotografías destacadas en tu perfil personal las que puedes dejar públicas para que quien te visite pueda conocer tu trabajo. Si eres de los que tienen un fanpage en esta red social no dudes en generar un álbum independiente en tus fotos en el que solo integres los trabajos de ilustración más destacados tal y como los presentarías en tu portafolio, de este modo puedes compartir el link de acceso a este álbum sin ningún problema, así te ahorrarás estar enviando el mismo pdf a quienes te contacten e incluso ganarás seguidores en el proceso.

No olvides actualizar continuamente tu portafolio de ilustración y compartirlo en los grupos donde puedas encontrar a tus clientes potenciales o colegas que te puedan recomendar.

3.- En tu firma de correo electrónico.

Sip, tal vez nunca habías pensado en esta posibilidad pero créeme siempre habrá alguien que de clic a todos los links que le aparezcan en tus correos sobre todo si ya te conocen.

No necesariamente tienes que incluir una fotografía en la firma sino simplemente los links de acceso con el nombre de lo que es, o una descripción amigable que les invite a “curiosear” un poco; el caso es mantener siempre tu información a la vista y hacer referencia a ella de manera constante sin llegar a cansar a tus espectadores.

Tu ¿En dónde agregarás primero tu portafolio?

3 cosas que debes evitar en tu portafolio

El portafolio de ilustración es la mejor arma que podrías tener al momento de presentarte a un nuevo cliente, o promover tu trabajo en línea, por ello debes ser muy cuidadoso al momento de construirlo.

3 cosas que debes evitar en tu portafolio para generar más confianza en tus clientes y lucir profesional

Cada pieza que elijas para formar parte de tu contenido debe ser de máxima calidad, algo que demuestre el nivel de trabajo y habilidad que tienes al momento de ilustrar, también deben ser trabajos acordes al tema que maneja tu cliente o al tipo de publicaciones que hace la empresa en la que te presentes (ya te había comentado un poquito de esto en ¿para quién quieres ilustrar?).

Sé que el proceso de selección de trabajos no solo es laborioso y difícil sino también confuso, sobre todo porque al ser tu trabajo puedes ser demasiado severo contigo mismo o dejarte llevar por las piezas que te gustan y olvidarte de tu cliente. Lo bueno es que siempre puedes pedir ayuda a tus amigos (es bueno alguien que no esté en el medio) u otros ilustradores (como la comunidad que estoy construyendo o_~).

Por lo pronto puedes comenzar a construir tu portafolio y garantizar el mejor contenido evitando estas 3 cosas al momento de elegir.

Poner más de 12 piezas:

No es que exista un número específico de ilustraciones que debas incluir en tu portafolio, pero por lo general se recomienda que sean entre 6 y 12 piezas para que tengas la oportunidad de mostrar el trabajo que haces en poco tiempo.

Cuando construyas tu portafolio de ilustración debes tener en cuenta que las personas quienes lo reciben no tienen mucho tiempo para ahondar en tu trabajo a menos que los atrapes, por ello tu portafolio debe ser breve en contenido y alto en calidad.

Elige las piezas en las que se destaque tu trabajo y el esfuerzo que inviertes en él, para que puedan apreciar el potencial en tu ilustración y procura abarcar los temas que ellos publican de manera continua para que se identifiquen con ello. De este modo les será más fácil imaginarse trabajando contigo.

Evita las colecciones completas:

Si tienes ilustraciones que forman parte de una colección sólo incluye la más importante o destacada de todas y haz mención del resto en la descripción algo como “pieza 03 de 12 en la colección x” de este modo puedes generar interés en buscar el resto de la colección sin robarte a ti mismo otras 11 oportunidades de mostrar algo diferente.

Algo importante es también el lugar en el que quieres trabajar, si eres por ejemplo de una ciudad pequeña en la que no hay mucha competencia puedes darte el lujo de presentar 2 o hasta 3 estilos distintos; si por el contrario eres de una ciudad grande donde las posibilidades de ser contratado son menores optimiza tu portafolio presentándote a ti mismo como especialista en un solo estilo gráfico.

Evita las piezas inconclusas y procesos de trabajo:

Los procesos de trabajo por más reducidos que sean pueden robar espacio y aburrir al espectador, ten en cuenta que ellos están buscando piezas listas para publicar, y ofrecerles ilustraciones en las que solo sea necesario agregar texto, puede facilitar el trabajo y darles una visión muy profesional de ti mismo. Recuerda que todo tu trabajo debe parecer hecho pensando exclusivamente en ellos y sus clientes.

Lo más importante que debes evitar, es incluir trabajo inconcluso en tu portafolio sin importar cuan impresionante pueda parecer la ilustración que estás haciendo en este momento, es necesario que no te restes puntos al presentar piezas que no están terminadas o que no tengan la calidad que tiene el resto.

Armar un portafolio es también contar una breve historia de tu trabajo y dejarlo con una parte a medias puede echar por tierra toda la buena impresión que hayas generado en tu cliente, así que tómalo con calma y espera a que tu ilustración esté lista para actualizar tu portafolio y darle todo el espacio que necesite sin afectar tu presentación.

Así que dime ¿Cómo va tu portafolio?

Por qué y como crear un Portafolio de Ilustración

Si pudiera decirte que hay una sola cosa que nunca debes dejar pasar en tu trabajo como ilustrador (sin importar que apenas comiences, o ya tengas tiempo en el área) definitivamente me olvidaría del estilo, la técnica y demás; la única cosa que no podrías pasar por alto es tener un portafolio de calidad.

Si estás comenzando a promover tu trabajo de ilustración y quieres verte lo más profesional posible, evitar estos 3 errores en tu portafolio (sin importar si es físico o en linea) podrían significar una verdadera diferencia.

Y es que en realidad tu podrías manejar cualquier clase de estilo gráfico, técnica, o temática pero la presentación que le des a tu trabajo al momento de mostrarlo a tus clientes (sobre todo las editoriales) será un factor que los lleve a considerar si eres su mejor opción para el proyecto en el que están trabajando.

Por medio de lo que muestres en tu portafolio podrás captar a tus clientes y dar opciones de estilos sin necesidad de estar buscando como un loco entre todas las ilustraciones que has hecho para encontrar algo que les conquiste o que demuestre tus habilidades y la calidad de tu trabajo.

Es por ello que invertir tiempo en crear o actualizar tu portafolio puede ayudar a tu crecimiento y la difusión de tu ilustración, sin contar el tiempo que ahorrarás al tener algo profesional totalmente listo para echar mano de el en cualquier momento.

¿Cómo armar un portafolio de ilustración?

Comienza por tomar en cuenta a quien quieres llegar, si tu intención es entrar en el medio publicitario todo el trabajo que presentes en tu portafolio deberá ir únicamente en este sentido, ten en cuenta que presentar muchos estilos diferentes o muchas temáticas en un mismo sitio puede resultar confuso para tu cliente, lo que te hará ver poco profesional o voluble en lugar de versátil.

Sé breve, maneja un número de ilustraciones que esté entre las 6 y las 12 piezas (15 si de plano no puedes reducir más) ten en cuenta que las personas quienes verán tu trabajo tienen el tiempo medido, y no pueden dedicarse a revisar las 111 piezas de ilustración maravillosas que has hecho durante los últimos 4 años.

Sé impactante, incluye tus mejores piezas, de preferencia las que ya has expuesto, o vendido (en especial si han sido comisiones). El impacto que tengas desde la primera página te ayudará a mantenerlos con tu trabajo en mente, y los invitará a revisar todo tu portafolio de principio a fin, así que trabaja en la progresión o el orden que des a tus piezas para que la transición entre una y otra sean coherentes o cuenten una historia que los atrape.

Mantente actualizado, es bueno que hagas una revisión de tu portafolio mínimo cada 6 meses (o cada que planees presentarlo) para que incluyas el material nuevo que has generado, y revises que el contenido sea propicio para el cliente al que lo presentas.

Trabaja en tus descripciones, si tienes trabajos por comisión o ilustraciones que ya fueron publicadas haz mención de tu cliente, la editorial, las fechas en las que la ilustración fue realizada, el concepto o tema que abarcaste con ella…  Siempre que las editoriales buscan ilustradores toman este tipo de piezas como un factor importante en su decisión ya que la experiencia que llevas les garantiza un mejor trabajo.

Si tus ilustraciones aún no han sido publicadas o no has vendido una sola pieza no debes desanimarte, todos los ilustradores comenzamos como pequeños dibujantes de escuela en las orillas del cuaderno y como lo dice Steven Scott (director de arte en Scholastic Corporation, la editorial y proveedora más grande de libros para niños a nivel mundial)

“De vez en cuando contrato a ilustradores que no han publicado, pero para eso tienen que tener un portafolio muy bueno… Las ventajas son la posibilidad de conseguir algo novedoso y fresco que todavía no circula por ahí y la de poder moldearlos un poco…”.

¿Qué esperas para comenzar con tu portafolios?

Yo ya comencé el mío y en esta comunidad estaré compartiendo cómo lo estoy haciendo. ¿Te incluyes?

¿Necesitas ayuda para vender ilustración? Entonces esta comunidad es para ti. Da click y comencemos a crecer.

 

¿Para quién quieres Ilustrar?

Si alguien me hubiera hecho esta pregunta cuando comenzaba habría contestado “para mí”, o “para nadie”; en ese entonces la idea de dibujar como algo más que un pasatiempo no estaba tan cimentada en mi mente como hoy. De hecho en ese entonces no sabía que pudiera dibujar para vivir de ello.

Ahora 9 años después me doy cuenta que es quizá la pregunta más importante de toda mi carrera. “¿Para quién quiero dibujar?”.

¿Para quién quieres ilustrar? si te has hecho esta pregunta entonces tu trabajo ya tiene una dirección adecuada, y estás cada vez mas cerca de vender ilustración. Si no ¿Qué esperas para leer este post y comenzar a contestar?

Definitivamente dedicarte a la ilustración no consiste en solo subir dibujos a las redes sociales o los portafolios en línea y esperar que algún día alguien los encuentre y nos contrate o nos los compre. No, Ilustrar y vender ilustración son una ciencia un poco más complicada que eso y todo nace de esa pregunta.

La respuesta es igual de complicada. ¿Para editoriales de libros para niños? ¿Para revistas de moda o juveniles? ¿Para video juegos? ¿Para mi mamá? ¿Para libros científicos? ¿Para negocios en línea (bloggers, tiendas virtuales, e-books)?…

Dependiendo de la respuesta que des a esta pregunta te será más fácil definir el camino de tu ilustración, podrás saber el tipo de técnicas que se usan, los estilos más recurridos, los lugares en donde poner tu portafolio o cómo contactarlos pero sobre todo sabrás qué y cómo venderles.

Pero ¿Cómo saber para quién quieres dibujar?

Hagamos un ejercicio.

Visualiza tu trabajo y que es lo que te ves haciendo con él. Para empezar, ¿Qué te gusta dibujar? Haces comics, dibujas historias, haces dibujos sobre moda, animales o plantas. ¿Tu trabajo es muy elaborado y técnico? tal vez te puedas desarrollar en la ilustración científica.

¿En qué tipo de productos o publicaciones se adapta o luce más tu trabajo? ¿Te gustaría verlo en una página web, en una playera oficial de una banda de rock, en la portada de un libro o un video juego?

¿Quieres una marca propia? una llena de dibujos tuyos aplicados en ropa, accesorios, y decorativos que te permita trabajar con tu estilo sin tener que cambiarlo.

Ya que te has dado una idea de a dónde vas ¿Qué tipo de personas necesitan el trabajo que haces? ¿En dónde están? o ¿Dónde y por qué lo compran?

Sé bien que te estoy llenando de preguntas pero no lo lamento por una sola razón. Tu cliente perfecto está detrás de todas ellas esperando descubrirte y enamorarse de tu proyecto.

La mejor dirección para tu trabajo también está al otro lado de esta investigación y junto con estas mejoras que puedas aplicar a tu estilo gráfico están también las mejores posibilidades de venta así que ¿Por qué empezar para comenzar a responder?

Dime ¿Para quién quieres ilustrar?

6 beneficios de Defender tu Precio

 

Esta semana de algún modo extraño todos mis clientes (en impresión de lona) parecieron ponerse de acuerdo para discutir mis precios.

Siéndote franca no me gusta quejarme de las cosas, pero teniendo en cuenta la cantidad de veces que alguien me pidió que bajara el precio, que fuera más rápida o incluso se tomaron el tiempo de decirme cuanto cobrarles por mi trabajo, la cosa se puso difícil.

Finalmente decidí verlo del lado constructivo y decirte no solo que me defendí como gato boca arriba (jajaja, imaginé la escena :P), sino también los beneficios que hacerlo me ha traído.

6 beneficios de defender tu precio by Veronik Ilustra

 

1.- Valoras tu trabajo.

Una de las cosas buenas que me trajeron tantos pleitos fue la capacidad de  poner el valor de mi trabajo en perspectiva, me di cuenta de que aceptar o no aceptar bajar mi precio está en mis manos (y solo en las mías) y al poner en la balanza todo el tiempo, el esfuerzo, el dinero que ya invertí (y que me costó mil años juntar) etc., contra lo poco que iba a ganar no me parecía justo.

2.- Haces tiempo para quien lo vale.

Después del primer rechazo me di cuenta de que no solo había defendido mi precio, sino que había abierto espacio para mis clientes valiosos; si, esas personitas encantadoras, pacientes y gratas que te valoran y ponen su fe en ti (Si Ailec, estoy hablando de ti).

Y es que a decir verdad cuando aceptas un trabajo a bajo precio no solo te ocupas, te entregas, te cansas, te desgastas lo mismo que con un trabajo bien cobrado y a final de cuentas no tienes ganancias. ¿Te digo algo peor? Promueves la cultura del regateo, lo que me lleva al siguiente punto.

3.- Combates la cultura del regateo.

La verdad no sé si es una cultura o un vicio, pero de algún modo es algo que deberíamos erradicar. Y es que cuando aceptas cobrar menos no solo pierdes dinero, sino que automáticamente devalúas todos los productos que te acompañan, los servicios que ofreces y por lo tanto tu marca.

Ten en cuenta que al aceptar dejas un precedente en la mente de tu cliente, una idea que se grabará a fuego y no es “Su trabajo lo vale” sino “Puedo pagar menos”. La próxima vez que venga (y créeme, volverá) tratará de bajar tu precio todavía más, no por necesidad, sino por vencer el límite que impusiste la vez anterior y eso no es todo, un punto de referencia al recomendarte será “dile que te lo de más barato al cabo que si lo deja” o “dile que a mí me lo dejó en tanto” y de pronto tendrás a otras 10 personas haciendo lo mismo.

4.- Ayudas a tu rubro.

Al no aceptar bajar tu precio no solo defiendes tus horas de sueño perdido, tu inversión y tus conocimientos sino también a los demás en tu rubro, lo que hace que nuestro trabajo pueda cotizarse mejor.

5.- Te hace ver profesional.

Defender tu precio te permite que tu cliente vea el esfuerzo detrás de tu trabajo, y el dominio que tienes en tu área, lo que también le da exclusividad a tu marca. (¿Te imaginas a alguien regateando en el stand de Hello Kitty, el de Distroller o a Charuca? no verdad, ellos ya hicieron su trabajo al cotizarse n_n)

6.- (Y último) Mejoras tu estrategia de venta.

Tal vez sea raro que este punto esté aquí pero defender tu precio te permite ver y resaltar las cualidades de tu producto o servicio, en especial teniendo en cuenta que no se trata de discutir con el cliente, ni de cerrarte a las opciones, sino de cobrar lo justo de la manera más amable. En estas circunstancias, es más importante una respuesta bien planteada que una observación rápida y mal educada.

Aunque suene tonto, es bueno que generes un guion de respuestas posibles que te sean fáciles de memorizar para estas ocasiones; cuando estas ante otras personas cualquier cosa que salga de tu boca y la actitud que tomes se volverá parte identificable de tu marca y tus servicios.


Ayudémonos entre todos

¿Alguna vez te han pedido que bajes tu precio?  Cuéntame tu experiencia para comenzar a armar un guion. Todos podríamos beneficiarnos con tus tips n_n.

La ilustración como un elemento funcional

Cuando comenzamos con la ilustración, es fácil perdernos en lo estético y olvidarnos de lo funcional, (una vez mas, el arte no es ilustración, el arte decora, transmite emociones abstractas, la ilustración debe ser clara por que presta un servicio).

Es por ello que la ilustración debe ser funcional, no digo que por ello deba dejar de ser bella o estética; la ilustración por sobre todo debe ser comunicativa, en especial si tu finalidad es llegar al medio editorial, o trabajar en proyectos para terceros.

 

La ilustracion como un elemento funcional by veronik ilustra

En general, hay 3 formas de hacer funcional tu trabajo, ( y no solo se aplican a la ilustración sino a casi cualquier producto o servicio).

1.- Resuelve una necesidad:

Es importante que sea una necesidad real, en nuestro caso, recuerda que la ilustración ayuda a comunicar, decorar, contar historias, complementar imágenes, ofrecer nuevas perspectivas, renovar la estética de otras piezas y también personaliza. Prepara un par de ejemplos que le permitan saber a tu cliente todo lo que se puede hacer con la ilustración y tus habilidades al trabajarla.

2.- Sé Complementario:

La ilustración puede adaptarse a casi cualquier tipo de contenido, en cualquier lenguaje, de hecho, la ilustración es el complemento perfecto, puede fácilmente convertirse en el lado único o divertido de una marca o producto, y no solo ser un producto en si. Hay muchos aspectos de la vida cotidiana en los que cabe la ilustración en la mayoría casi de manera imperceptible, pero siempre añadiendo personalidad.

3.- Sé necesario:

Y no solo necesario, sé indispensable. Piensa en toda la variedad de productos o elementos en los que tu ilustración o producto pueda tomar protagonismo y ve en esa dirección. Genera una cadena de piezas que se complementen entre si y ofrezcan una solución a diferentes partes de una misma necesidad. ¿Quieres que todos busquen tu producto? conviértelo o acompáñalo de algo indispensable.

Y tú ¿Cómo harás funcional tu ilustración?